LISTA- Los mejores compositores de música de cine- BEST FILM SCORE COMPOSERS



1- JOHN WILLIAMS (1932; Estados Unidos)



2- BERNARD HERRMANN (1911-1975; Estados Unidos)



3- MIKLÓS RÓZSA (1907-1995; Hungría)



4- MAURICE JARRE (1924-2009; Francia)



5- GEORGE DELERUE (1925-1992; Francia)



6- ENNIO MORRICONE (1928; Italia)



7- ALEX NORTH (1910-1991; Estados Unidos)



8- ALFRED NEWMAN (1901-1970; Estados Unidos)



9- JERRY GOLDSMITH (1929- 2004; Estados Unidos)



10- THOMAS NEWMAN (1955; Estados Unidos)






Antonio Miranda. Febrero 2014.





BSO- Requiem for a dream- CLINT MANSELL



                              10 sobre 10


REQUIEM FOR A DREAM (2000).
CLINT MANSELL.

Absoluta destreza compositiva de Clint Mansell en una obra que categorizaría de maestra.

           ‘’Más allá de la obertura, es más bien poco lo que nos ofrece este trabajo’’. Estas palabras, que leí al no mucho tiempo de escuchar la música de Mansell, marcaron profundamente mis conclusiones tras detenidas escuchas. Inquieta cómo el oído humano, generalmente, no trabaja y se dedica cómodamente a percibir sensaciones. Esta banda sonora lo es, es transmisora de ellas, y no precisamente de bajo calibre.  Estúdiala y viaja con tus percepciones al interior del maravilloso entramado compositivo que origina el autor: pequeñas y delicadas percusiones, muy rítmicas, que nos acercan a la decadencia progresiva y bien definida de los protagonistas; sutiles líneas con doble orquestación, pero siempre dedicada al minimalismo electrónico, y no precisamente una electrónica actual, llena de efectos y sensacionales matices, sino sencilla, directa y retro.





 Clint Mansell se aleja inteligentemente, por otra parte, de la electrotecnia sutil y enloquecida únicamente para ofrecernos el tema principal, lleno de fuerza y presencia, con el que consigue guiar absolutamente la acción. Vayámonos a los extremos de la interpretación mental y veremos que Mansell, a mi juicio, supera al propio Darren Aronofsky (seguramente por deseo de este último). El camino y la sensibilidad que consigue el compositor son máximos en el complejo y extenso tema final (que realmente ha ido presentando durante todo el metraje). La orquesta de cuerdas, en contraposición al sistema electrónico, crece y vence y mata; son ellas, son los violines los que con su perdurable presencia van a derivar la demencia electrónica y vital de los personajes hacia un elemento común en ellos y el resto de los humanos: la muerte. Los personajes mueren por unirse, mueren por amar, mueren por vivir y es Clint Mansell quien anuncia, desde sus inicios, el final que les espera al introducir durante toda la película el tema orquestal. Entrelazados por todos lados: el sufrimiento, la vida y la relación social de las personas.





Y un último tercio de la obra absolutamente devastador que nos obliga a ni siquiera respirar mientras se escucha, a degustar admirablemente cómo las notas chirriantes y afiladas de sus cuerdas, aderezadas con matices entre clásicos y robóticos, atraviesan ferozmente nuestra prosaica representación, únicamente dejando entender a los privilegiados del estudio dónde se dirigen y por quién son acompañadas (ellas son la muerte, escoltadas por los sonidos electrónicos, que representan la vida delirante de los protagonistas). Una música compuesta para desvarío del placer; una escena final (que se inicia con la aplicación de los métodos alternativos de la señora Goldfarb y abarca el final de cada personaje) a la que Mansell crucifica despiadadamente hasta encumbrar su música por encima de la imagen. Sorprendente. El inicio de las descargas sobre Sara Goldfarb supone esa barrera impuesta por Mansell en la que, estudiada la música, el oyente (espectador) entrará en el sentido de su composición. Hasta ese momento, su partitura es, desde el inicio del método alternativo y el comienzo de las secuencias finales de los personajes, uniforme y monótona; los instrumentos caminan a ritmo aeróbico uno junto a otro, como lo hacen las vidas de ellos…una junto a otra en la imagen (solitarias en la realidad), hasta que se produce la descarga sobre la pobre y vieja mujer (el inicio del fin) y el compositor, audaz, directo y certero nos atraviesa el entendimiento musical con la incorporación oxidada de las cuerdas ‘’electrónicas’’. Se inicia entonces ese fin, que se superpone, como melodía principal, al resto de ‘’aeróbicos instrumentos’’ que estaban sonando. Se inicia, al final del filme, el comienzo de la comprensión de la música en la película.

En conclusión, obra de difícil escucha, dura y obsesiva que disfrutará el oyente o espectador que no ponga límites a nada y que degustará aquel amante del arte complejo y trabajado.


ESCÚCHALA SI...: admiras las obras maestras de la música de cine.

NO LA ESCUCHES SI...: no soportas la genialidad en locuras musicales y quieres tranquilidad.

LLEGARÁ A SER UN CLÁSICO...: sin duda, lo es.

OTRAS OBRAS RECOMENDADAS DEL AUTOR: Pi; Moon.

PUNTUACIÓN: 10


Antonio Miranda. Febrero 2014.


BSO- THE MONUMENTS MEN- Alexandre Desplat.




sobre 10


    Decepcionante composición. Desplat, grande y muy suyo, único, cuyas piezas las escuchas e identificas al instante, se dedica, extrañamente, a dotar a su obra de tintes incomprensibles, sencillos e imitaciones de un estilo de música aventurera a ratos, aburrida a otros; los Medal of Honor de Giacchino aparecen por todas partes, la exquisita composición de Michael para los videojuegos es imitada por el genio francés de manera sorprendente. Referencias a los Newman, John Williams, incluso al Enemy at the gates o The Rocketeer de James Horner.




    Alexandre Desplat opta por dotar a la obra de unidad temática, con variaciones sobre un par o tres de temas melódicos simples. La cohesión como estilo definido queda olvidada. Aparecen apuntes y matices que ninguna relación guardan.

    En conclusión, y sorprendiéndome por las buenas referencias que parten desde la crítica, me atrevería a no recomendar esta triste banda sonora de uno de los genios actuales de la música de cine. 


ESCÚCHALA SI...: no tienes nada mejor que hacer y no conoces la música de Michael Giacchino.

NO LA ESCUCHES SI...: esperas algo interesante o tienes a mano Medal of Honor.

LLEGARÁ A SER UN CLÁSICO...: únicamente de los peores scores para cine de Desplat.

OTRAS OBRAS RECOMENDADAS DEL AUTOR: ''La Vénus a la fourrure''

PUNTUACIÓN: 5


Antonio Miranda. Febrero 2014.

BSO- La Vénus a la fourrure- ALEXANDRE DESPLAT

    


8 sobre 10


    Me soprendió el comentario de alguien tildando a Desplat de aburrido; pensé, entonces, si esa persona no sería el ejemplo de la comodidad auditiva.

    Obra grande, extremadamente cuidada, en la que la composición de cámara abunda prácticamente en toda ella; una pieza exquisita y de detalles compositivos; un vals en toda regla que marca el contrapunto de drama y comedia burlesca; una danza macabra cuyos detalles habría firmado, sin duda, el mismísimo Saint- Saëns o incluso pequeñas referencias al famoso ''Bolero'' de Ravel.


                              (Trailer oficial con la música compuesta por Desplat para la película)


    Desplat, admirablemente, entremezcla ternura con malicia (que no maldad) musical; toques exóticos y tradicionales con los ritmos más propios y una pieza, formada por el atronador poder del piano, que podría, personalmente, incluir dentro de los temas más auténticos y descriptivos que he oído jamás y que podríamos colocar, tal vez cayendo en una grave falta de criterio (pero para tentar a quien no haya escuchado esta música), en ambientes herrmanianos. No obstante, aquel que se lanzase a calificar mi osadía como tal recibiría, por mi parte, el siguiente argumento: nada más lejos está Desplat de ser incapaz de dotar a este fragmento de absoluta personalidad e identidad, y ya no como música en sí, sino como música desplatiana en todas sus facetas. El piano, descendiendo tal como si fuera una lenta agonía, una pausada repetición del sufrir, extasía a cualquier oyente de tal forma que nadie percibe la simplicidad mítica con la que este artista engendra la maestría. Escúchalo, no pierdas esta elegante y atractiva oportunidad de sentir el hipnotismo desplatiano.

    El compositor francés nos hechiza constantemente, el uso del pizzicato, aderezado firme pero sutilmente con harpas y toques de bajo, arreglado todo aquí y allá por matices que van contestando y replicando y adornando conversaciones musicales, es toda una delicia, y nada de forma exagerada, rápida o estrambótica, todo lo contrario, la sutileza con la que el músico francés nos deleita es tan grande que su audición fuera del filme dota a la composición de una absoluta independencia que, en ningún momento, decae en forma y sentido.

ESCÚCHALA SI...: sigues los pasos de Desplat y admiras el trabajo cuidado.

NO LA ESCUCHES SI...:  consideras al compositor como un artista aburrido y eres amigo del oído vago.

LLEGARÁ A SER UN CLÁSICO: contituye un ligero giro en la obra del compositor y parte del score resulta magistral. Una obra menor de Desplat que, personalmente, encumbraría a la zona alta de sus trabajos.

OTRAS OBRAS RECOMENDADAS DEL AUTOR: Philomena.

PUNTUACIÓN: 8

Antonio Miranda. Febrero 2014.





LISTA- LAS MEJORES PELÍCULAS DE LA HISTORIA.




1- 2001 Una odisea del espacio (1968), Stanley Kubrick
2- Stalker (1979), Andrei Tarkovsky
3- Cuentos de Tokio (1953), Yasujiro Ozu
4- Gritos y susurros (1972), Ingmar Bergman
5- Gertrud (1964), Carl Theodor Dreyer
6- El caballo de Turín (2011), Béla Tarr
7- Los comulgantes (1963), Ingmar Bergman
8- Andrei Rublev (1966), Andrei Tarkovsky
9- Viridiana (1966), Luis Buñuel
10- El séptimo sello (1957), Ingmar Bergman
11- 8 y 1/2 (1963), Federico Fellini
12- Solaris (1972), Andrei Tarkovsky
13- Persona (1966), Ingmar Bergman
14- El ángel exterminador (1962), Luis Buñuel 
15- Cuentos de la luna pálida (1953), Kenji Mizoguchi
16- Sacrificio (1986), Andrei Tarkovsky
17- Madame de... (1953), Max Ophüls
18- Al azar de Baltasar (1966), Robert Bresson
19- Ordet (1955), Carl Theodor Dreyer
20- Perversidad (1945), Fritz Lang
21- El eclipse (1962), Michelangelo Antonioni
22- El discreto encanto de la burguesía (1972), Luis Buñuel
23- Luces de la ciudad (1931), Charles Chaplin
24- Amanecer (1927), Friedrich Wilhelm Murnau
25- Pasión (1969), Ingmar Bergman
26- Belle de jour (1967), Luis Buñuel
27- Nostalgia (1983), Andrei Tarkovsky
28- Principios de verano (1951), Yasujiro Ozu
29- Fresas salvajes (1957), Ingmar Bergman
30- Vértigo (1958), Alfred Hitchcock
31- Amarcord (1973), Federico Fellini
32- La pasión de Juana de Arco (1928), Carl Theodor Dreyer
33- Trono de sangre (1957), Akira Kurosawa
34- La ronda (1950), Max Ophüls
35- Los olvidados (1950), Luis Buñuel
36- La dolce vita (1960), Federico Fellini
37- La diligencia (1939), John Ford
38- Encadenados (1946), Alfred Hitchcock
39- Dies Irae (1943), Carl Theodor Dreyer
40- Ciudadano Kane (1941), Orson Welles
41- Carta de una desconocida (1949), Max Ophüls
42- Historia del último crisantemo (1939), Kenji Mizoguchi
43- La naranja mecánica (1971), Stanley Kubrick
44- El último (1924), Friedrich Wilhelm Murnau
45- La sombra de una duda (1943), Alfred Hitchcock
46- Pasión de los fuertes (1946), John Ford
47- Los siete samurais (1954), Akira Kurosawa
48- Perdición (1944), Billy Wilder
49- Fitzcarraldo (1982), Werner Herzog
50- M, el vampiro de Düsseldorf (1931), Fritz Lang


Ignacio Santos. Febrero 2014.